Ivo Van Hove (deuxième rétrospective : 2010 – 2018)

Né en 1958 à Heist-op-den-Berg (en Belgique),  Ivo van Hove a commencé sa carrière de metteur en scène en 1981, avec ses propres productions. Il a ensuite été directeur artistique de AKT, Akt-Vertikaal et De Tijd. Il devient directeur de la compagnie Zuidelijk Toneel de 1990 à 2000. Il dirige le Holland Festival de 1998 à 2004. En 2001, il prend la direction du Toneelgroep Amsterdam.

Il travaille avec Jan Versweyveld son scénographe depuis 1981.

Rétrospective 2002 – 2018 non exhaustive

2010 – Der Menschenfeind
Molière | Schaubühne Berlin

 

2010-2011 : The Russians !
after Tsjechov by Tom Lanoye

Ivanov se sent pris au piège dans un mariage avec une femme juive. Il plonge dans une romance avec la jeune Sasha. Quand sa femme l’attrape avec sa maîtresse, elle réagit furieusement et meurt. Son sentiment d’inutilité augmente et devient un nœud coulant autour de son cou. Platonov, le professeur du village, est marié mais cela ne l’empêche pas de courtiser une foule d’autres femmes. Son mode de vie débauché charme ses amis pendant un certain temps, mais son crédit diminue progressivement.

Ivo van Hove dirige le portrait d’un groupe de personnes qui se déchaîne de manière incontrôlable, cherche des boucs émissaires et laisse libre cours à ses frustrations par un sentiment indéfinissable de vide et de perte. Les Russes ! est une performance-marathon dans laquelle les personnages s’éloignent les uns des autres, rendent la vie de l’autre misérable et finalement s’épuisent. La musique est composée par Tom Holkenborg.

 

2010-2011 : And we’ll never be parted
Jon Fosse

 

 

2010 – 2011 Children of the sun
Maxime Gorki

Maxime Gorky dépeint un groupe d’intellectuels qui, détachés de la société, se tournent vers la science, l’art et l’amour pour se rendre compte trop tard que leurs idées ne riment pas avec la dure réalité. Le protagoniste de la pièce, le scientifique Protassov, s’est retiré avec sa femme et sa sœur à la maison paternelle où il travaille follement sur une idée visionnaire : le potentiel de l’humanité à surmonter ses limites biologiques pour fonder une nouvelle société. Il oublie tout le monde autour de lui et se coupe des rumeurs de révolte et de choléra qui engloutissent la ville. Il se perd dans des expériences et s’entretient avec l’artiste Wagin, qui tente de faire la cour à sa femme, et le vétérinaire Chepurnoy, qui demande la main de sa sœur en mariage mais qui est refusé à plusieurs reprises. Fébrilement, ils discutent des grands idéaux et du potentiel de l’humanité tout en laissant une traînée de destruction dans leur sillage. Un manque de sympathie et de conscience sociale mène à une escalade de la situation à l’intérieur et à l’extérieur des murs du domaine. Leurs visions utopiques d’être comme des enfants du soleil sont éclipsées par des forces qu’ils ont eux-mêmes ignorées depuis trop longtemps.

 

 

2011 – Edward II
Christopher Marlowe | Schaubühne Berlin

Huit cellules de fer pour huit détenus athlétiques ont été construites côte à côte par le scénographe Jan Versweyveld. Au-dessus d’elles se trouve un écran vidéo. Depuis son poste de garde, Urs Jucker surveille les événements via des caméras de vidéosurveillance. Dans l’aile des prisonniers, le ton est civil. On parle à « Monsieur » et « Madame ». C’est une prison pour hommes hautement instruits.

Tandis qu’Edward II est informé par les barons Mortimer et Lancaster de l’état désolé de la politique financière et étrangère de son empire, il lève des poids sur un banc de remise en forme…

Dans cette prison, tous sont égaux. Ils forgent des alliances qui demeurent sans effets. Etat du pays, profession, avantages personnels ou motivations similaires se retrouvent dans les conflits ainsi que l’attitude sexuelle du roi (parce que l’homosexualité est pratiquée dans cette prison quasiment par tous). Le contexte de violence qui conduit les événements ne fait que nourrir de façon suggestive la pièce menaçante.


2011 – 2012 The miser
Molière

 

2011 – 2012 Husbands
John Cassavetes

Ivo Van Hove :  Je vois Husbands comme une pièce de théâtre axée sur la performance. Trois hommes en crise qui se livrent à la boisson, au chant, au jeu, au sexe et à la femme. J’entends Born to Run comme un thème, un hébété dans la pièce, comme une gueule de bois que vous voyez devenir de pire en pire en public. Sauve qui peut ! Vivre pour survivre ! Les hommes franchissent toutes les limites de leur existence quotidienne, puis vient la désillusion ou l’issue.

 

 

2013 – 2014 The Fountainhead
Ayn Rand

Ivo Van Hove : Quand j’ai lu le roman pour la première fois, les personnages m’ont saisi, chacun d’eux est un homme de chair et de sang, et en même temps ils sont plus grands que la vie. Ce sont des symboles d’idées de grandeur: il y a le brillant architecte Howard Roark qui suit ses propres idéaux et rêve d’un nouveau monde, d’une ville de demain. Et puis, il y a Peter Keating, son collègue qui fait constamment des compromis et adapte ses modèles pour répondre aux exigences du marché. La bataille entre Roark et ses adversaires est terriblement bien écrite. Pour moi, The Fountainhead est une guerre d’idées. La grande question que pose le livre: qu’est-ce que la création ? Qu’est-ce que cela signifie de créer ? Et qu’est-ce que l’intégrité dans le processus de création ? Le roman se déroule dans le milieu des architectes des années 20 à New York, où la bataille entre le modernisme et le classicisme fait rage, mais aujourd’hui encore, la remise en question de la création est un enjeu : l’équilibre entre le commercial et l’innovant. Rand utilise le monde de l’architecte comme une métaphore pour discuter de l’art, de l’engagement, de l’individualisme et de l’autonomie. Mais The Fountainhead est aussi une histoire d’amour qui fraye sur les bords de la décence. Un amour implacable se développe entre Howard Roark et Dominique Francon, qui montre les difficultés de se donner entièrement à un autre tout en maintenant sa propre intégrité. À un certain moment, Roark déclare : « Je pourrais mourir pour vous, mais je ne pourrais pas et ne voudrais pas vivre pour vous. » C’est un roman engageant, addictif qui demandait à être mis en scène.

https://blogjmpblog.wordpress.com/2017/05/18/the-fountainhead-dayn-rand-mise-en-scene-ivo-van-hove-2016/

 

 

2014 – Scenes from a Marriage
Ingmar Bergman | New York Theatre Workshop

le public de chaque représentation est divisé en trois, tout comme le théâtre, qui a été réorganisé en mini-théâtres séparés mais égaux pour la première moitié de la pièce. Conçus par Jan Versweyveld, ils sont des espaces cliniques anonymes, appropriés à des théâtres d’opérations essentiellement psychologiques. Ils sont également extrêmement douillets – si bien que vous pouvez parfois sentir les souffles des artistes, ou peut-être l’éclaboussure du vin clapoté.

Dans l’une de ces arènes, vous trouverez Johan et Marianne (Alex Hurt et Susannah Flood), jeunes, pleins d’espoir et d’espoir, au sommet dangereux de leur bonheur conjugal. Dans un autre, incarné par Dallas Roberts et Roslyn Ruff, ils commencent à ressentir une friction dans les liens qui les unissent. Dans la troisième, ces liens sont en train de s’effondrer, et Arliss Howard et Tina Benko sont là pour choisir douloureusement les filets effilochés.

Bien que la liste ci-dessus reflète la séquence chronologique des « Scènes », elle ne reflète pas nécessairement l’ordre dans lequel vous allez l’expérimenter. Ils sont exécutés simultanément pour les différents segments du public, qui s’aplatissent dans un autre espace à la fin de chaque scène.

Parce que ces espaces sont dos-à-dos, avec une salle commune partagée (en partie visible), les voix des autres scènes envahissent subtilement celle que vous regardez. La sensation subliminale est d’un babillage – ou Babel – de personnes tombant dans et hors de l’amour, et dehors. Finalement, il commence à avoir l’impression que tout se passe dans votre propre mémoire, qui – si c’est comme le mien – est connu pour brouiller les différents chapitres de la vie.


2014 – 2015 : Song from Far Away
Simon Stephens

Simon Stephens à propos de Song from Far Away : « Je voulais reconstituer les vies passées de deux frères à travers leur correspondance. Leurs lettres nous emmènent directement dans l’intimité de leur relation, de leurs liens communs, mais aussi mais explorent aussi les questions qui restent sans réponse après la mort d’un être cher. C’est une pièce sur la perte et le fait que le passé est un pays étranger auquel nous ne pourrons jamais revenir. Les chansons de Mark Eitzel renforcent l’atmosphère intime de la famille, des souvenirs et des adieux.

 

 

2014 – 2015 : Mary Stuart
Friedrich Schiller

Ivo Van Hove : La pièce parle de deux femmes au pouvoir. Elizabeth et Mary font face aux conséquences les plus extrêmes de ce pouvoir : une décision de vie ou de mort dans l’intérêt de l’État. Elizabeth doit mettre de côté ses sentiments personnels et répondre aux attentes que les autres ont d’elle en tant que leader mondial. Elle fait face à l’épreuve ultime de la responsabilité politique. La pièce révèle qu’elle est en effet «solitaire au sommet». Ses personnages centraux sont conscients qu’ils écrivent l’histoire. Pour moi, c’est son essence: les personnages doivent revoir leur vie et leur position à un tournant de l’histoire. Mary envisage sa mort imminente dans une mise en scène presque opératique de ses dernières heures. Elizabeth est dans le déni. Elle se sent isolée et est pleinement consciente que l’histoire la condamnera aussi. Il y a vingt-cinq ans, j’ai produit Don Carlos de Schiller à Anvers. C’est une autre pièce dans laquelle les intérêts publics et privés entrent en conflit. La pièce reste très pertinente aujourd’hui, traitant de femmes puissantes qui doivent composer avec leurs propres émotions et leur place dans l’histoire.

 

 

2014 – 2015 Kings of war
William Shakespeare

Ivo van Hove : Je pense constamment à la manière dont les dirigeants abordent le pouvoir et la prise de décision en cas de crise. Dans Kings of War, nous voyons trois leaders en temps de guerre. Le sort de milliers de citoyens et de soldats et l’avenir même du pays sont entre leurs mains. Nous voyons comment chaque roi utilise son pouvoir de manière très différente. Il est fascinant d’assister à la prise de décisions cruciales sur la vie et la mort. Cette pièce montre l’homme à la fois dans son aspect le plus noble et le plus pervers. Shakespeare est inégalé dans sa représentation du leadership et du pouvoir. Il crée des rois passionnés et motivés, des rois hésitants et inefficaces, et des gens simplement fous. Il nous donne des hommes de chair et de sang, qui doivent constamment peser les intérêts de leur pays et de leurs sujets contre les leurs. Ce sont des hommes sous pression, des leaders qui savent qu’ils écrivent l’histoire, parfois dans le sang de leur peuple. Il est inspirant de découvrir Shakespeare en tant que contemporain qui traite du type d’événements que nous voyons tous les jours dans les informations : les sombres machinations des gens au pouvoir et la violence que leurs décisions provoquent.

Pour la scénographie, le scénographe Jan Versweyveld s’est laissé inspirer par la salle de guerre de Churchill, d’où il a mené la lutte contre l’Allemagne pendant la Seconde Guerre mondiale. L’espace dans « Kings of War » est quelque chose entre une salle privée et un quartier général politico-militaire autour duquel un labyrinthe de couloirs est construit. C’est là que les dirigeants consécutifs prennent leurs décisions sur la vie et la mort dans l’intimité d’un bunker, alimentés par des séquences vidéo et des messages du monde extérieur. Les images du concepteur vidéo Tal Yarden créent le monde autour du centre du pouvoir et montrent les conséquences de la guerre et des conversations dans les couloirs.

 

 

2015 – A view from the bridge
by Arthur Miller | Lyceum Theatre, New York

Eddie Carbone, un ouvrier de Brooklyn, tient la famille et l’honneur par-dessus tout. Lui et sa femme ont élevé une nièce comme la leur. Mais son amour possessif pour sa nièce le conduit à des actions qui trahissent sa famille et ses idéaux.

 

 

2015 – 2016 The hidden force
Louis Couperus

Ivo van Hove : Couperus est l’auteur le plus globalisant de notre littérature. Il aborde des thèmes qui transcendent de loin la frontière néerlandaise, ils regardent le monde entier. D’une manière complètement libérée, non moralisatrice, il écrit à propos de personnes instables qui chevauchent les deux siècles. Des gens qui disent adieu aux vieilles certitudes et apprennent à faire face à un nouveau monde plein de questions et sans réponses. Il n’a pas peur de montrer aussi les côtés sombres dissimulés derrière la façade de la civilisation : la sexualité explicite, l’adultère, la pédophilie, l’inceste et l’hystérie. Le côté sombre a lieu dans les Indes néerlandaises, mais raconte une histoire qui est universelle. Le point focal est la relation tendue entre deux cultures qui se tiennent de manière inconciliable l’une en face de l’autre. La force cachée est généralement considérée comme un pouvoir poétique et mental. C’est le cas, mais c’est surtout un pouvoir qui est destructeur. Je me sens attiré par « l’agitation existentielle » – comme l’appelait justement Bas Heijne – dans l’œuvre de Couperus. Je veux l’amener à la scène en tant que contemporain, en tant que quelqu’un qui frappe les nerfs de notre XXIe  siècle à l’œuvre.  1900, Java. Otto van Oudijck gouverne sa province avec vigueur. Il se voit comme le représentant d’une culture européenne supérieure. Il vit pour son travail. Pour la colonie, qu’il veut amener à un niveau supérieur. Il est inconscient du fait que sa femme a des relations avec d’autres hommes. Mais quand Van Oudijck congédie un régent local pour inconduite, des choses mystérieuses commencent à se produire dans sa maison et autour de lui.

La mise en scène d’Ivo van Hove du chef-d’œuvre de Louis Couperus s’articule autour du choc de deux cultures. L’un est apparemment ouvert, rationnel et bureaucratique. L’autre est caché, magique et mystérieux. L’occidental domine et contrôle, mais il ne peut pas combattre la force cachée de l’Est, qui imprègne imperceptiblement et porte tout dehors. Otto van Oudijck l’expérimente personnellement. Il dirige de façon décisive son district sur Java. Sa vie est entièrement consacrée à sa mission: apporter la prospérité au peuple. Cela le rend aveugle et sourd aux besoins de sa famille. Il n’a pas non plus d’œil sur la culture et les traditions locales. Un conflit avec les officiers locaux évoque des forces qui sont trop pour ce colonial. Il perd lentement toutes ses certitudes et tout ce qu’il chérit. Cette usure a lieu littéralement sur scène: les acteurs ne peuvent que se rendre à l’environnement tropical avec des éléments naturels qui traversent la scène. Dans la bande sonore, la musique de piano occidentale est affectée et décolorée par les percussions orientales et les sons de la nature édités.
La force cachée (De stille kracht) est un roman visionnaire qui place la culture occidentale face à la culture orientale comme irréconciliable. Le puissant colonisateur hollandais est incapable de faire face à la force cachée qui est présente dans le fond et cause lentement des dégâts. L’homme occidental domine et contrôle, mais se révèle incapable d’aller au cœur de l’Orient et de conquérir la culture des Indes. Ce qui reste est un homme occidental impuissant dans la forêt indonésienne. La force cachée n’est pas seulement l’un des grands chefs-d’œuvre de la littérature hollandaise, c’est un livre de classe mondiale avec lequel Couperus prouve qu’il peut sans effort côtoyer de grands contemporains comme Emile Zola et Marcel Proust.

 

 

2016 – The Crucible
Arthur Miller | New York

Le diable est revenu à Broadway, avec le pouvoir de faire trembler le fort. Il est temps d’avoir peur, très peur. Le metteur en scène Ivo van Hove et un casting international éblouissant ont sondé la terreur dans « The Crucible » d’Arthur Miller au Walter Kerr Theatre. Et un drame historique sans cesse ravivé depuis 1953 ressemble soudainement à la pièce la plus fraîche et la plus effrayante du moment. Nous sommes amenés à voir ce que les habitants terrifiés de Salem pensent voir, dans des visions formées à partir d’un rêve collectif de fièvre paranoïaque. En interprétant ces effets, Ivo van Hove et son étonnant scénographe Jan Versweyveld, empruntent librement à l’imagerie des films d’horreur. Ensuite, il y a la musique glaciale et rythmée de Philip Glass, qui semble émaner non pas de la scène, mais de votre propre pouls.

 

2016 – The Damned
Luchino Visconti / La Comédie-Française, Paris

https://blogjmpblog.wordpress.com/2017/05/18/les-damnes-divo-van-hove/

 

 

2016 – 2017 : The diary of one who disappeared
Leoš Janáček

Ivo Van Hove : Le journal de celui qui a disparu est moins connu que les grands opéras de Janáček, mais il n’est certainement pas inférieur. La puissance de ce court travail réside dans une double vitalité. Tout d’abord, il y a la série de poèmes courts et poétiques, avec un ton sourd et confiant. Ensuite, il y a l’engouement passionné de Janáček pour le très jeune Kamila Stösslová, qui fait que l’œuvre est imprégnée d’un désir désespéré et brûlant pour l’impossible, pour un nouveau départ.

 

 

2016 – 2017 : Obsession
Lucino Visconti

Ivo Van Hove : Le long d’une route déserte, le vagabond Gino s’arrête dans un garage et un restaurant au bord de la route, où il trouve un travail avec Giuseppe et sa femme oppressée Giovanna. Comme un couguar – puissant et gracieux – Gino entre sur le territoire de Giovanna. Ils s’accouplent. La séduction entre les deux prédateurs est si forte qu’ils décident de tuer Giuseppe. Mais ce crime ne les rassemble pas. Gino est incapable de rester longtemps au même endroit et Giovanna est trop devenue une chatte domestique. Le pouvoir de la nature et le pouvoir de la société dévorent leur désir, leur passion. Grands thèmes De tous les âges. Contemporain. Obsession montre la passion comme une image idéalisée de l’amour entre deux personnes et, en même temps, l’incapacité de le faire durer éternellement.

 

 

2016 – 2017 : The things that pass
Louis Couperus

Ivo Van Hove : La famille n’a-t-elle pas duré assez longtemps ? C’est la lamentation de Lot dans Les choses qui passent. À la fin, malade et fatigué d’une vie qui n’a pas été vécue, il arrive à une conclusion choquante : « Un autre moment viendra. Une génération différente. Un temps viendra où les gens se quitteront, se tourmenteront, et penseront encore qu’il ne peut en être autrement, que c’est bien, parce que c’est ce qui doit arriver. » Dans La Haye de Louis Couperus, il est impossible de suivre vos vrais désirs, impossibles d’être soi-même. C’est un monde d’hommes et de femmes errants dans une société semblable à une prison. Un grand chœur. Un chant de cygne. Couperus nous éveille. Ce monde a besoin d’être changé !

 

2017 : Network
Lee Hall | National Theatre

Howard Beale, présentateur de nouvelles, n’attire pas les téléspectateurs. Dans sa dernière émission, il se dévoile en direct à l’écran. Mais quand les notes montent en flèche, le réseau s’empare de leur nouveau prophète populiste, et Howard devient le plus grand événement de la télévision. Network représente un paysage médiatique où l’opinion l’emporte sur les faits.

 

 

2017 – 2018 : Small souls
Louis Couperus
Ivo Van Hove : Avec « Les petites âmes », nous complèterons notre triptyque basé sur les travaux de Louis Couperus. Notre ambition était de présenter Couperus comme un contemporain. En 2015, nous avons commencé avec La force cachée, dont le point focal était le choc sans fin des cultures. Couperus décrit impitoyablement comment les cultures orientale et occidentale sont fondamentalement irréconciliables, ne peuvent pas s’approcher plus loin. En 2016, il y avait « Les choses qui passent », une symphonie de malheur sur une famille dispersée dans le monde entier. Nous l’avons situé dans une immense salle d’attente où l’évasion est impossible, sauf par la mort. C’était beau comment Lot annonce une nouvelle ère à la fin. Nous voyons cette nouvelle ère dans « Small souls », le morceau de clôture de la trilogie. Constance se demande : « Vivons-nous ici ? Je veux dire vraiment vivre ? ». Nous voyons comment une communauté de personnes malades, fatiguées et éteintes dans une maison sombre trouve progressivement des moyens de guérir. Les gens qui font de petits pas en essayant d’être heureux, en essayant de vivre. Marietje, la plus malade de tous, conclut : « Je ressens une nouvelle vie différente en moi. Il y a une énergie en moi … Je veux la suivre, je dois la suivre. » C’est comme le début de l’âge d’or.

 

 

2018 – 2019 : After the rehearsal / Persona
Ingmar Bergman

Ivo Van Hove : Deux courtes pièces sur la signification du théâtre et de l’art dans nos vies et notre société. Comme il convient au grand maître Ingrid Bergman, il n’adopte pas une approche moralisatrice, mais investit son travail avec beaucoup d’attention et de perspicacité dans l’humanité dans toute sa complexité incomparable. Touchant mais dur en même temps. Le premier cas concerne une personne qui vit entièrement pour et à l’intérieur de l’art, tandis que le second concerne une personne qui remet son importance en question. C’est précisément dans ces temps-ci, où nous débattons continuellement de l’importance de l’art dans la société, et où nous devons de plus en plus défendre cette importance, que je trouve cela très intéressant à la fois personnellement et comme faiseur de théâtre.

Van Hove et le scénographe Jan Versweyeveld superposent l’artifice, transformant la pièce en un décor de cinéma.

Les deux sont joués isolément – la boîte grise de Versweyveld sert aussi de salle de répétition et de salle d’hôpital, avant que les murs ne cèdent pour montrer une île échouée dans un lac de stade spectral – et dans des environnements mécanisés. Les haut-parleurs du metteur en scène et les lumières scéniques, si manipulatrices et malhonnêtes, sont remplacées par les éoliennes et les machines à pluie de la nature, comme s’il jouait à Dieu.

 

2018 – 2019 : Death in Venice
d’après Thomas Mann

Ivo Van Hove : Thomas Mann a appelé sa nouvelle plus intime et bien connue « eine richtige Tragödie » (une vraie tragédie). Il a prétendu que rien de l’histoire n’avait été inventé. Mann décrit la chute d’un écrivain à succès qui est libre, mais qui devient progressivement obsédé par un garçon mineur étonnamment beau. Malgré ses tentatives de réduire au minimum l’attraction fatale et de la rejeter, l’engouement passionné s’abat sur lui comme une fatalité. Alors qu’il cède au tourbillon des émotions, la peste éclate à Venise. L’écrivain tombe malade. Affecté par la peste et confronté à ce qu’il est réellement, il meurt dans la solitude totale. Dans la version de Ramsey Nasr, la tension entre les attentes sociales, voire les demandes, et les désirs personnels sont également un thème principal.

 

 

2018 – 2019 : A little life
Hanya Yanagihara

Ivo Van Hove : Une petite vie est bien plus qu’un simple livre. C’est une descente destructrice dans des zones de douleur pure, de solitude pure, de pure impuissance, d’amitié pure. Hanya Yanagihara décrit une vie entière : enfance, adolescence, âge adulte, mort. Dès le premier abus à l’âge de neuf ans, Jude vit dans ce moment de traumatisme pour le reste de sa vie. Un traumatisme où il est complètement seul, se sent complètement seul. La délivrance n’est pas possible pour Jude. Il y a une raison pour laquelle son hymne personnel est « Ich bin der Welt abhanden gekommen / Mit der ich sonst viele Zeit verdorben » de Mahler, je me suis perdu dans le monde avec lequel je perdais beaucoup de temps. Ses amis font tout ce qu’ils peuvent pour rendre Jude heureux, mais il n’est plus capable d’embrasser le bien. L’amour et l’amitié ne conquièrent pas tout. Une petite vie pose des questions sur le bien et le mal, sur la façon de faire face à la perte de qui vous aimez vraiment. Mais aussi sur la tyrannie contemporaine d’être heureux, sur la connexion que nous faisons automatiquement entre l’amour et la sexualité. Dans Une petite vie, la sexualité est un pouvoir destructeur.

Hove a litttle life

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