Richard Prince

« Le problème artistique, c’est que ce n’est pas comme au golf. Au golf, on met la balle dans le trou ou on ne la met pas. En art, il n’y a pas d’arbitre, pas de juge, pas de règle. C’est un des problèmes, mais aussi un des points forts de l’art. »

Richard Prince est un artiste américain bien connu pour son utilisation d’images appropriées. Prince utilise des photographies issues de la culture de la consommation – publicité, divertissement et médias sociaux – pour explorer des idées sur l’authenticité et la propriété. Cette pratique controversée suscite des débats sur le droit d’auteur, la propriété intellectuelle et le vol dans le monde de l’art. Avec un style Pop Art associé à Sherrie Levine, Andy Warhol et Jeff Koons, l’expressionniste abstrait Willem de Kooning a également influencé Prince en ce qui concerne ses techniques de peinture.

Né le 6 août 1949 dans la zone du canal de Panama (aujourd’hui République du Panama) où ses parents travaillaient pour le Bureau des services stratégiques des États-Unis, Prince s’installe à New York en 1973. Tout en travaillant chez Time Inc. (alors Time-Life), il a commencé à photographier des pages de publicité et à identifier des typologies et des archétypes récurrents. Sa célèbre série « Cowboys » (1980-1992, toujours en cours…) a été extraite des publicités pour les cigarettes de Marlboro, tandis que sa série populaire de « Nurse Paintings » (2003) s’est inspirée de la couverture de romans écrits. En 2014, l’artiste a de nouveau établi sa capacité à susciter la controverse sur des questions de propriété et de contenu, cette fois avec Instagram. La série « New Portraits » consistait en des captures d’écran agrandies à partir de selfies prises par de jeunes hommes et femmes sur l’application sociale. Ses œuvres figurent actuellement dans les collections du Museum of Modern Art à New York, de l’Art Institute of Chicago, de la Collection Goetz à Munich et du Victoria and Albert Museum à Londres, entre autres.

Prince vit et travaille actuellement dans le nord de l’État de New York.

Sélection :

1980 : « Untitled » (« Three women looking in the same direction »)

1980 three women looking 1

1980 : « Untitled » (« Cowboy ») est l’une des œuvres et l’une des images les plus emblématiques de Richard Prince. Pour sa série Cowboys, conçue au début des années 1980, Prince s’est approprié des images à partir des annonces de cigarettes glacées de Marlboro. Il les a « re-photographiées », recadrées, en a éliminé le texte, spécifiant une fois : « Come to Marlboro Country ». Offrant supposément le naturel de l’image, révélant les significations qui y sont enracinées, intensifiant encore leur propre artifice, cet acte subtil consistant à re-photographier des images publicitaires et à les présenter comme étant les siennes ouvre une nouvelle approche critique de la production artistique. En réponse au consumérisme et à l’identité américains, les Prince’s Cowboys remettent en question les notions d’originalité, d’auteur et le statut privilégié de cet objet d’art unique. « Il est maintenant largement admis que Richard Prince était légèrement en avance par rapport à plusieurs autres artistes dans son utilisation de cette méthode d’appropriation radicale connue sous le nom de re-photographie et qu’il a joué un rôle important dans le développement d’un nouveau type de photographie de type oppositionnel, pratique, décrite de manière critique comme postmoderniste. Il faisait partie d’une génération qui… a utilisé des procédures photographiques pour redéfinir simultanément la photographie et l’art. ”(L. Phillips, Richard Prince, New York, 1992, p. 28.)

 

Grâce à ce double processus de rephotographie, Prince revitalise non seulement une image populiste, mais ressuscite également le cow-boy américain, du prosaïque à l’extraordinaire. Retiré de sa campagne publicitaire originale, le cow-boy solitaire devient un symbole du rêve américain, plein de libertés et de plaisirs. « Le cow-boy américain imaginaire est une figure romanesque et monumentale de la pulp-fiction… Il est Alexandre le Grand, en bottes et chaps. Il est coloré, masculin jusqu’à la caricature, il est un emblème de plaque d’immatriculation, un panneau publicitaire, une chaîne de restaurant, une figure de style qui indique un délassement brutal ou une agressivité sauvage. À l’étranger, il est la représentation de l’Amérique tant il est profondément ancré dans notre caractère et notre philosophie nationale. » (A. Proulx, Richard Prince : Amérique spirituelle, New York, 2007, p. 284).

Fonctionnant dans l’imaginaire du public en tant que symbole de pouvoir, de force et de masculinité, le cow-boy est une icône de la souveraineté américaine. Les hommes de Marlboro illustrent cet archétype, amplifié par des décors inspirés des traditions de la peinture de paysage américaine et du spectacle des westerns hollywoodiens. À l’arrière-plan de la série « Untitled » (Cowboy) 1980-1984, deux énormes montagnes enneigées flanquent la silhouette centrale. Son paysage magnanime diminue l’échelle du cavalier, mais son cheval au galop, son visage ombragé et sa chemise rouge vif lui confèrent un sentiment de puissance, de courage et de persévérance qui défie le paysage sublime. N’ayant pas peur de l’environnement capricieux, des collines et de la tombée de la nuit imminente, ce cow-boy poursuit sa route.

 

 

« Le cow-boy est la figure la plus sacrée et la plus masquée des personnalités culturelles. Un cow-boy est une image de l’endurance même, un symbole stéréotypé du cinéma américain, d’un point de vue géographique et culturel. Il est à la fois le vagabond et le symbole mythologique de la mobilité sociale. Même aujourd’hui, l’image du cow-boy n’a pas perdu de son éclat. » (L. Phillips, Richard Prince, New York, 1992, p. 95).

Prince offre des perspectives variées du cow-boy dans cette série renommée ; certaines des images offrent des gros plans, tandis que d’autres illustrent de grands panoramas du paysage américain. A travers ces images variées, un story-board de la mystérieuse existence et du récit passionnant du cow-boy est présenté. Le cow-boy persévère peu importe son environnement ; ses longs voyages le mènent à travers des vallées hivernales froides et des paysages désertiques arides, qui ne représentent aucun compromis entre sa force et son courage.

Bien que la série « Cowboy » soit le corpus auquel Richard Prince est le plus souvent associé, c’est celle-là qui contient le moins d’intervention de sa part. En dehors de quelques ajustements mineurs dans la composition, les images sont des reproductions presque parfaites des publicités originales de Marlboro. En fait, Prince n’a commencé à re-photographier ces images publicitaires que lorsque la société de marketing a cessé d’utiliser l’homme Marlboro dans ses images. L’idée du projet qui remettrait en cause tout ce qui était sacré en matière de propriété dans la photographie est venue à Richard Prince lorsqu’il travaillait dans le service des feuilles de déchirure de Time Inc. Alors qu’il déconstruisait les pages de magazines pour les archives, son attention était attirée par les publicités qui est apparu à côté d’articles. Une annonce en particulier a attiré son attention : l’image machiste du Marlboro Man chevauchant un cheval sous un ciel bleu. Et alors, dans un processus qu’il a appelé la rephotographie, il a pris des photos des publicités et a découpé le prototype, ne laissant que le cow-boy emblématique et ses environs.

 

En 2005, « Untitled » (« Cowboy ») a été vendu aux enchères pour 1,2 million de dollars, soit le prix le plus élevé enregistré publiquement pour la vente d’une photographie contemporaine. D’autres étaient moins enthousiastes. Un photographe a poursuivi en justice Prince pour avoir utilisé des images protégées par le droit d’auteur, mais les tribunaux se sont largement prononcés en faveur de Prince. Ce n’était pas sa seule victoire. La rephotographie de Prince a permis de créer une nouvelle forme d’art – la photographie… de la photographie – qui préfigurait l’ère du partage numérique et a bouleversé notre compréhension de l’authenticité et de la propriété d’une photo.

 

1980 Cowboy 4

 

1982 : « Fashion » est une série de neuf photographies qui ont été réalisées par Prince entre 1982 et 1984, en photographiant à nouveau des photographies de mode. Prince n’était pas le seul artiste à s’approprier de cette manière de telles images, mais il reste l’un des plus réussis, en partie à cause de son montage et de son recadrage, et en partie à cause de son excellent choix des images-sources.


Ce qui est surprenant avec les neuf œuvres présentées, c’est qu’une fois débarrassées de leur texte et de leurs logos, elles semblent devenir plus puissantes. Elles ont une beauté fantasmagorique, anguleuse, qui aurait l’air plus à l’aise dans le jardin de sculptures du MoMA que dans les boutiques de la Cinquième Avenue. Néanmoins, elles conservent encore une partie de l’attrait sexuel et de la promesse commune aux campagnes de vêtements de haute qualité à travers le monde.

1983 : « Spiritual America » est une photographie de Brooke Shields, une enfant nue âgée de 10 ans. A l’origine, le cliché a été pris par Gary Gross. Richard Prince a ensuite pris la photo, l’a placée dans un cadre doré et l’a affichée sans autre commentaire. Au début de sa carrière, Prince, qui travaillait pour le magazine Time-Life, s’est approprié des images publicitaires pour son propre travail artistique. En 1983, il rencontra une photographie de l’actrice-enfant nue, âgée de dix ans, prise par le photographe commercial Gary Gross. En 1975, Terrie, la mère de Brooke Shields, avait déboursé 450 dollars US pour que sa fille soit représentée comme une séductrice androgyne très maquillée. La publicité osée qui en résulterait lancerait la carrière de Brooke Shields en lui attribuant un rôle de premier plan dans le film à succès « Pretty Baby » de Louis Malle en 1978 dans lequel elle jouait un enfant élevé dans un bordel.

1983 Spiritual America

En 1981, Terry Shields poursuivit Gross en justice pour récupérer les droits d’auteur du plan publicitaire. La poursuite, qui dura quatre ans et qui se prononça en faveur de Gross, fit la une des journaux, persuadant ainsi Richard Prince de se lancer dans un « vol » des plus audacieux. Il a rephotographié l’image de Gross, l’a placée dans un cadre en or élaboré et l’a exposée de manière anonyme dans une galerie non commerciale située au fond de la partie Est de Mahattan. Commentant de manière pertinente l’obsession de l’Amérique pour la gloire, Prince avait capturé, d’un simple clic, un objet représentant un autre objet, toutes ces « clics » étant déclenchés par une mère traitant son enfant en vie comme un objet. La photo de Prince allait être saluée par la critique et être exposée dans des musées du monde entier, tandis que Gross ne pouvait même pas vendre son original pour 75 $. Gross a intenté un procès à Prince, soulevant des questions d’authenticité et d’auteur, les thèmes exacts qui imprègnent l’essentiel de l’activité artistique de Richard Prince. « Spiritual America » avait lancé la carrière de Richard Prince avec un impact si profond sur son œuvre qu’il donna ce titre à sa rétrospective multi-muséale en 2007.

1992 : « Cowboys and Girlfriends » Les rephotographies de Prince ont conduit à sa série intitulée « Les Gangs », qui suivait la même technique d’appropriation des images de magazines que les Cowboys, mais les sujets sont maintenant passés des publicités et des médias de masse à des niches dans la société américaine. Prince dans cette série rend hommage au « sex, drug and rock’n’roll » dans les niches américaines, vues à travers des magazines. Il a décrit la propension du bizarre dans des sous-cultures telles que les passionnés de moto, les amateurs de hot rod, les surfeurs et les amateurs de musique heavy metal. Ces gangs sont reconnus avec sa série « Girlfriends », mettant en vedette des motards. Un magazine de motos qu’il a utilisé comprenait des photographies de petites amies de motocyclistes, qui étaient affalées sur les motos de leurs petits amis.

 

1993 : « Girlfriends »


1994 : « Cowboys »

« Lorsque j’ai photographié une image pour la première fois, j’essayais simplement de produire une image plus naturelle que lorsque je la voyais comme une photographie… Je ne me considérais pas comme un photographe, mais comme un artiste. »

Dans ce nouveau lot, Prince a choisi de nous présenter notre héros au beau milieu de difficultés, marchant à travers les profondes neiges de l’hiver de l’Ouest. Pourtant, il y a une liberté glorieuse dans sa lutte et son cheval traverse les éléments avec un sens typiquement américain d’optimisme et de dynamisme. Orné de multiples couches de cuir et de fourrure, le protagoniste de Prince met une seconde pour regarder les merveilles de son pays, comme pour reconnaître les splendeurs de la terre comme étant les siennes à ce moment précis. Nous voyons ici un parallèle avec la méthode de production de Prince : la source de son image n’est peut-être pas originale, mais son élévation est uniquement due à Prince.

1994 cowboy

 

1999 : « The Blue Cowboys » présente une série de quatre « rephotographies ».

Seul ou accompagné de ses pairs, le cowboy, aperçu au loin, se fond dans l’immensité du paysage archétypal de l’Ouest américain, accentuée par le cadrage large et le format horizontal de la photographie. Symbole de liberté et d’individualisme, le cowboy est aussi le modèle du héros solitaire et viril. Comme le dit Richard Prince, « en générant une sorte de “ double ” (ou de fantôme), il devient possible de représenter l’imaginaire de la photographie ou de l’image originale. »

 

1999 : « Untitled »

Comme Warhol dans les années 1960, Prince est parfaitement au diapason des faiblesses et des vanités de son époque, en particulier du rôle dominant que jouent la célébrité et le spectacle dans tous les aspects de notre culture. Il a cultivé le personnage obscur et anti-héroïque de son ancêtre spirituel, celui du filou insaisissable qui gâche et recycle (même à l’occasion, sous des pseudonymes) des images séduisantes ou explosives. Dans sa plus récente série de publicités, l’artiste a créé des « readymades assistés » duchampiens en rassemblant de manière obsessionnelle des photographies promotionnelles brillantes de personnalités du spectacle, telles que Barbra Streisand, Prince, Sid Vicious et Sylvester Stallone. En mêlant des autographes « authentiques » de célébrités (ou généralement de leurs assistants) à ceux forgés par l’artiste lui-même, Prince explicite les problèmes de paternité et d’appropriation qu’il a explorés tout au long de sa carrière, en démontrant que la signification des images est déterminée principalement par les désirs indisciplinés du spectateur.

 

1999 untitled

 

 

2001-2002 : « Hurricane Nurse » peintures d’infirmières, illustrations empruntées de vieux romans d’amour.

 

2002-2003 : « Nurse Paintings » est une série inspirée des couvertures et des titres de romans bon marché couramment vendus dans les kiosques à journaux et dans des épiceries de quartiers. Prince a numérisé les couvertures des livres sur son ordinateur et a utilisé l’impression à jet d’encre pour transférer les images sur toile, puis a personnalisé les pièces avec de la peinture acrylique.

Bibliophile autoproclamé, l’artiste s’est inspiré de sa propre collection de romans de fiction sur papier des années 50 et 60 célébrant le rôle de l’infirmière archétypale et a mis au point la série : « L’Infirmière ». Les couvertures de ses livres constituent la base de ses toiles très travaillées en acrylique. En renversant des reproductions à jet d’encre sur la toile, les couvertures du livre ont disparu derrière les nombreuses couches de pinceaux et de gouttes de peinture de l’artiste. L’intention est que nous ne consommions visuellement que le titre et la protagoniste d’origine. Celles-ci sont des vestiges du passé, masquées par le coup de pinceau de Prince qui laisse pourtant deviner l’histoire qui se cache derrière.

 

En décrivant son choix, l’artiste a déclaré : « Je peins des infirmières. J’aime leurs chapeaux. Leurs tabliers. Leurs chaussures. Ma mère était infirmière. Ma sœur était une infirmière. Ma grand-mère et deux cousins ​​étaient des infirmiers. Je collectionne les livres ‘d’infirmières’ en livres de poche. Vous ne pouvez pas les manquer. Ils sont tous à l’aéroport. J’aime les mots ‘infirmière’, ‘infirmière’, ‘infirmière’. Je me rends. » (Richard Prince dans une interview réalisée pour « Comme une belle cicatrice sur la tête », Numéro spécial américain sur les peintres modernes, Automne 2002, Volume 15, n ° 3).

Il est clair que les peintures d’infirmière révèlent une interprétation à plusieurs niveaux de la femme. Les infirmières sont presque toujours masquées, suggérant leur retenue physique ou émotionnelle emprisonnée dans un refrain continu. On ne sait pas si elles ont l’intention de rester silencieuses ou si elles sont forcées de le faire. Cette existence assainie nous invite à enquêter. Puis Prince recouvre leurs corps de peinture apparemment tachée de sang. Ses personnages sont-ils morbides ou violents ? Ou excessivement sensuels ?

Dans « Tender Nurse », Richard Prince étend des formes ruisselantes de peinture rouge sang qui recouvre son corps – rouge sur blanc et un magnifique fond magenta avec des nuances royales de bleu. La protagoniste, submergée par les flammes de la colère et de la luxure, reste calme et contrôlée.

 

2004 : « Spiritual America »

 

2006-2008 : « Untitled nurse »

Dans cette série de peintures, les infirmières portent toutes une casquette et leur bouche est recouverte de masques chirurgicaux, bien que dans certaines d’entre elles, les lèvres rouges saignent à travers les masques. Les présentations finales conservent le titre et l’image d’infirmière de chacune des couvertures du livre, bien que presque tout le reste soit obscurci. Les titres comprennent : une infirmière impliquée, une infirmière Aloha, une infirmière célibataire, une infirmière en danger au travail, une infirmière débutante et une infirmière médecin…

 

2007-2008 : « Canal Zone »

Suite à ses dialogues burlesques avec l’art de De Kooning, Picasso et Naughty Nurse, Richard Prince s’est tourné vers ses propres racines biographiques pour trouver l’inspiration. La zone du canal de Panama, où il est né, était, jusqu’en 1979, une enclave politique des États-Unis, enclave partiellement coloniale, sous un gouvernement partiellement socialiste, prétendument dominée par un racisme séparatiste virulent.

De manière caractéristique, Prince a transformé l’ancienne réalité de son lieu de naissance en un espace fictif. « Canal Zone » offre un scénario tropical anarchique dans lequel des émanations extrêmes d’homme blanc américain, des pin-ups féminines charnues, des rastafariens dreadlocks, guitares électriques et corps noirs virils se déchaînent.

Ce qui est manifestement nouveau dans ces peintures est la façon dont elles sont « assemblées », comme des mises en page de magazines éphémères.

« Canal Zone », ce nouvel ordre de civilisation orgiastique, post-nucléaire, tel que nous le connaissions, prend sa place parmi les autres grandes visions modernes de l’apocalypse…

 

Attendus du procès en première instance :

Peu de décisions sont aussi radicales que la décision sommaire prononcée par la juge Deborah Batts, juge du tribunal de district, en faveur du photographe Patrick Cariou, dans le cadre de l’action en justice sur les droits d’auteur contre Richard Prince, Gagosian Gallery, Larry Gagosian et Rizzoli Books sur l’appropriation par Prince des photos du livre de Cariou, Yes Rasta La série d’œuvres de Prince en 2008, Zone du canal, qui, selon la décision, s’est vendue 1 million de dollars chacune.

Le juge Batts a statué que l’appropriation de l’œuvre de Cariou par Prince ne respectait pas les normes d’utilisation loyale pour quatre raisons spécifiques, qui constituaient peut-être une critique esthétique involontaire de la pratique artistique globale de Prince. Elle nota que Prince avait utilisé les photographies de Cariou en intégralité avec des modifications minimes, ajoutant que Prince avait témoigné que son travail n’avait pas de signification particulière. Le juge a également accusé Prince et son studio d’avoir agi de « mauvaise foi » en demandant des copies du livre de Cariou au studio du photographe, sans préciser l’usage artistique auquel ils étaient destinés et en ne négociant aucun type de contrat de droits avec Cariou.

Maintenant, quiconque connaît le travail de Prince sait que son travail et sa carrière consistent en une appropriation partielle ou globale où la mauvaise foi est de mise. Pourtant, le juge a rejeté ce type d’appropriation, estimant qu’il ne correspondait pas à la définition de loyauté. En effet, le juge Batts a laissé entendre que Prince n’avait pas suffisamment découpé ou sectionné les images de Cariou.

Quoi qu’il en soit, le fait d’avoir un juge pour interpréter le sens de l’art reste kafkaïen : nous pouvons découvrir l’ensemble de l’œuvre d’Andy Warhol, de Robert Rauschenberg et d’un millier d’autres artistes qui violent le standard du juge Batts. Mais qu’en est-il du photographe Cariou ? N’est-il pas un artiste aussi ? Le juge Batts a décrété que, sans suspension des appels des défendeurs, le travail de Prince sur la série et les outils utilisés pour sa fabrication devaient être effacés de quelque façon que ce soit dans les dix prochains jours et que les peintures déjà vendues et encore accrochées aux murs étaient littéralement interdites. Cariou devra vraisemblablement s’attaquer à leurs propriétaires.

Attendus du procès en seconde instance :

En seconde instance, Richard Prince a remporté une victoire importante à la Cour d’appel contre le photographe Patrick Cariou. Et cela pourrait avoir de grandes implications pour les artistes qui s’approprient un travail artistique déjà accompli.

Cariou avait poursuivi avec succès Prince pour violation du droit d’auteur, affirmant que l’artiste s’appropriait ses photos protégées par le droit d’auteur de rastafariens prises en Jamaïque pour un livre de 2000, « Yes Rasta ». Prince avait reconnu avoir pris ses travaux en les modifiant et en incorporant les photos dans une série de peintures et de collages qu’il appelait « Canal Zone ». Celles-ci ont été exposées en 2007 et 2008 au Gagosian de New York. En 2011, un juge a estimé que le travail de Prince avait été emprunté de manière inappropriée à celui de Cariou. En première instance, Cariou avait eu gain de cause dans son procès contre l’artiste.

Cependant, le jugement en appel a partiellement annulé la décision, les juges ayant conclu que vingt-cinq des trente œuvres de Prince en question étaient effectivement légitimes. Un juge de la basse juridiction déterminera les cinq autres.

Selon la décision du juge en appel, Barrington Parker, « ce qui peut être soumis à la critique, c’est la manière dont l’œuvre en question apparaît à l’observateur raisonnable, et pas simplement ce que l’artiste pourrait dire à propos d’une œuvre ou d’un corpus particulier. Le travail de Prince peut être transformateur même sans commentaire sur le travail de Cariou ou sur la culture, et même sans l’intention déclarée de Prince de le faire. »

« Ces vingt-cinq œuvres de Prince manifestent une esthétique totalement différente de celle de Cariou », écrit le juge Parker. « Là où les portraits sereins et délibérément composés de Cariou et ses photographies de paysages illustrent la beauté naturelle des Rastafariens et de leurs environs, les œuvres brutes et discordantes de Prince sont, quant à elles, animées et provocantes. »

Le juge a également noté que Cariou utilisait le noir et le blanc tandis que Prince créait des collages, incorporait de la couleur et faisait d’autres distorsions. « La composition, la présentation, l’échelle, la palette de couleurs et les supports de Prince sont fondamentalement différents et nouveaux par rapport aux photographies, de même que la nature expressive du travail de Prince. » Malgré ce qui semblait être la réticence initiale de Prince à argumenter la nature transformatrice de son travail avec la force avec laquelle on pourrait peut-être s’attendre, la cour d’appel s’est néanmoins prononcée de ce côté.

« Ici, en regardant côte à côte les œuvres d’art et les photographies, nous concluons que les images de Prince ont un caractère différent, donnent aux photographies de Cariou une nouvelle expression et emploient une nouvelle esthétique avec des résultats créatifs et communicatifs distincts de celles de Cariou. On peut penser toutefois que toute modification esthétique des photographies constituerait nécessairement une utilisation loyale. Un travail secondaire peut modifier l’original sans être transformateur. Par exemple, un travail dérivé qui présente simplement le même matériau mais sous une nouvelle forme n’est pas transformatif. » Le juge Parker a déclaré : « Même si les modifications minimes apportées par Prince ont déplacé l’œuvre dans une direction différente de celle des photographies classiques de Cariou, on ne peut dire avec certitude si ces œuvres présentent une ‘nouvelle expression, une nouvelle signification ou un nouveau message. »

2007 Canal Zone 0

 

Ce jugement s’avérera crucial pour donner au juge toute orientation future sur la détermination de ce qui est transformatif et de ce qui ne l’est pas…

 

2009 : « Untitled (Publicities) »

Richard Prince a consacré sa carrière à « la vie superficielle ». Il a déclaré que son objectif était quelque chose de réel manifestement faux. Son art est intrinsèquement corrosif. Sa spécialité est un hybride soigneusement construit qui est une sorte de blague, chargé de notions contradictoires de haut, de bas et… de très bas. Ses cibles fréquentes incluent le monde de l’art, les hommes hétérosexuels américains et la vertu, la suffisance et le goût de la classe moyenne. Son travail dérange, amuse et renverse les idées reçues sur l’art, l’originalité, la valeur, la classe, la différence sexuelle et la créativité. L’exposition « Spiritual America » (« Amérique spirituelle ») définit la culture du pays comme une série de sous-cultures étranges et isolées – allant de l’abstraction moderniste à la comédie de théâtre, en passant par la couverture de pulp-fiction – et leur confère une honorabilité égale.

Les ancêtres de Richard Prince sont Duchamp, Jasper Johns et surtout Andy Warhol. Au fil des années, il a présenté le même visage honteux et sans vergogne de l’Amérique qui a donné beaucoup d’émissions, de débats, de télé-réalité et l’obsession actuelle de la célébrité. Pratiquement, chaque Américain, même vivant dans l’État le plus reculé, a pu trouver quelque chose de familier, d’habituellement un peu dérangeant, dans son travail. S’il était la Statue de la Liberté, les mots inscrits sur son socle seraient : Donnez-moi vos fatigués, vos pauvres, mais aussi vos vendeurs ambulants et vos femmes infidèles ; vos amies motardes, vos stars du porno, vos aficionados de voitures personnalisées et vos célébrités en devenir ; ainsi que vos collectionneurs de livres à bas prix (dont il en est un).

En un sens, sa carrière a été un processus de libération de soi en développant un mode ésotérique qu’il a contribué à inventer. Ses premiers travaux, l’essence même de l’appropriation postmoderne orthodoxe, consistent en des rephotographies influentes mais hermétiques des publicités et des modes diffusées dans des magazines sur papier glacé. Recadrées, agrandies et regroupées selon le sujet et la pose, ces images sont exposées avec une précision presque anthropologique. Malgré toute son élégance, la première œuvre avait un air de fin de partie frugale qui semblait dédaigner tout ce qui était aussi poignant que de créer un objet d’art réel. Mais c’est précisément ce que Richard Prince a entrepris, en introduisant régulièrement de nouveaux sujets, médiums et techniques.

 

 

2010 : « Untitled »

Tracé d’une ligne de démarcation entre satire et subversion, l’art de Richard Prince cherche à désorienter son auditoire avec un sentiment de pseudo-familiarité. Chercher des photos, des panneaux d’affichage et de la pulp fiction – cette dernière grâce aux tendances bibliophiliques ardentes de l’artiste – le travail de Prince déstabilise nos notions d’authenticité et de droit d’auteur. Pris dans le contexte plus large des techniques de « re-photographie », « Untitled » est une œuvre qui présente de la même manière l’adoption et le reconditionnement du monde qui l’entoure ; un avion en proie à diverses névroses raciales et sexuelles, perpétué par un mélange d’humour traditionnel, de cow-boys mythiques et de pin-up fétichisées.

Une des figures les plus convoitées de Prince, le trope de la « vilaine infirmière » est une icône qui resurgit sans cesse dans le lexique de l’artiste et qui provient des magazines de cabaret, de pornographie et de mode. À partir de la fin des années 90, et inspiré des couvertures de sa propre collection de livres Naughty Nurse datant de la moitié du siècle, Richard Prince a créé une série basée sur les mêmes titres des livres, produisant des œuvres allant de « Millionaire Nurse » à « Man-Crazy Nurse ». Dans ceux-ci, Prince présente au spectateur une infirmière devenue séductrice, masquée et adossée à une surface sombre et dégoulinante, accompagnée d’un titre de livre à la fois provocant et ambigu. En décontextualisant la source de ses protagonistes, les infirmières se prêtent à une nouvelle méditation de la culture pop américaine qui dépasse les frontières de son sujet initial.

2008 Nurse

 

 

2010 : « Joke Paintings » de Richard Prince sont restés un point culminant constant dans la production de l’artiste pendant plus de deux décennies. La plupart des blagues précédentes de Prince comportent des lettres d’une seule couleur unie contrastant avec un fond monochrome contrasté, sans aucune imagerie supplémentaire ni aucune ornementation. Le présent lot témoigne de l’évolution de la série de Prince, car elle comprend un nouveau style de lettrage et un contexte complexe pour le texte. Alors que dans beaucoup d’autres peintures de Prince, le lettrage constituait le centre évident de l’œuvre, les mots sont ici un peu plus difficiles à cerner à l’arrière-plan animé. Le lettrage est également contraint dans une forme rectangulaire au centre de la toile plutôt qu’étendu sur toute sa largeur.

 

2010 Untitled joke

 

Le travail est visuellement luxuriant, utilisant à la fois l’acrylique et le collage. Les lettres moulées centrées indiquaient, sur onze rangées : « La nuit dernière, j’ai commandé un repas complet en français. Même le serveur était surpris. J’étais dans un restaurant chinois. » L’arrière-plan est orné de traînées d’orange, de vert et de bleu, superposées à l’élément de collage de la peinture : des couvertures de romans de cow-boy d’époque, un sujet de sa collection qui a fait son chemin dans sa pratique artistique. « Je ne vois aucune différence entre ce que je collectionne et ce que je fabrique. C’est devenu pareil. Ce que je collectionne se retrouvera souvent dans mon travail. » (K. Rosenberg, « Richard Prince », New York Magazine, 2 mai 2005).
2011 : « Picasso »

 

2011 Picasso

 

2011 : « Untitled »

Prince orne des photos publicitaires de films pornographiques avec des étiquettes autocollantes pour DVD. L’application d’autocollants DVD à ses collages par Richard Prince fait référence à la culture populaire dans le contexte de son utilisation emblématique d’images érotiques. Ici, Prince place les autocollants sur des photographies vintage, censurant l’image. Sur une d’elles, il a inclus à la fois des références à l’histoire de l’art en incluant le label « Rothko’s Rooms » (un documentaire sur Mark Rothko) et la culture populaire en incluant le label du classique culte « Monty Python et le Saint Graal ».

 

 

Prince imite, même par satire, la façon dont le nu féminin est cartographié et multiplié dans l’art, de la sculpture classique à la Vénus de la Renaissance, en passant par les formes déformées et reconfigurées du cubisme et de l’expressionisme, ainsi que dans d’autres sources telles que la pornographie et les manuels médicaux. Prince fait remarquer que, parmi les livres d’anatomie qu’il fouille, « ils sont très génériques. Ils n’appartiennent à personne ». Ces nouvelles œuvres mettent en évidence les manières génériques de visualiser le nu féminin (chaque personnage est ostensiblement sans visage et l’un d’entre eux a des bandes noires de censure qui anonymisent ses seins et ses yeux). Pendant ce temps, les peintures de Prince affirment la pertinence éternelle de l’art qui traite du corps et de sa représentation.

 

2011 Untitled

 

2012-2013 : « Picasso nudes »

 

 

 

2014 : « New Portraits » A l’instar de sa dernière série, New Portraits, la fascination de Prince pour l’appropriation dure depuis trois décennies. S’alignant sur les développements de la société du 21ème siècle, il continue de plier les règles traditionnelles du portrait, empruntant maintenant des images téléchargées des utilisateurs du réseau Instagram. S’inspirant même de ses œuvres passées, telles que la série « Girlfriends », « New Portraits » présente le phénomène Internet à l’intérieur des murs de la galerie Gagosian. En imprimant un jet d’encre sur une toile, il a agrandi le fichier original pour qu’il soit presque huit fois plus volumineux, ajoutant un « dernier mot » en conclusion du processus artistique. Ces commentaires, parfois absurdes, parfois concis, parfois pervers (dans le premier, « Encore une fois, P & Qs facile? SpyMe! ») versent plus profondément que jamais dans le piratage et le détournement du droit d’auteur. En ayant le dernier mot, l’artiste coupe tout lien entre le créateur original et l’image ; encore une fois, il s’approprie jusqu’à « enfreindre » les droits de la propriété.

Dans sa dernière série intitulée « New Portraits », Prince utilise les médias sociaux comme nouvelle méthode d’appropriation artistique. Chaque pièce est une image à jet d’encre d’une page Instagram – souvent une jeune fille posant à demi nue ou prenant un selfie provocateur – et imprimée sur des toiles de six pieds sur quatre. Dans ces œuvres, Prince observe la façon dont les gens se présentent et présentent leurs groupes sociaux au monde. Ce que Prince ajoute dans les commentaires Instagram complique les images déjà déconcertantes. En plongeant plus profondément que jamais dans les angoisses contemporaines de la vie privée et du droit d’auteur, Prince transforme ces images au point qu’elles semblent subir une forme de transsubstantiation psycho-artistique maladive où elles n’appartiennent plus aux créateurs d’origine.

 

2014 00

 

2014-2016 : « Mustang Painting »

Dans le but de capturer différentes facettes du rêve américain à travers les interprétations photographiques ou picturales d’objets et de sujets typiquement américains, le travail de Richard Prince s’inspire des images de la publicité et des médias pour mettre en lumière ce qui est le plus profondément plongé dans l’inconscient collectif du pays.

Dans le champ iconographique de la culture des « muscle-cars », « Mustang Painting » présente un mustang irisé qui navigue au milieu d’une masse abstraite et indistincte de peinture bleue. Plagiant l’esthétique d’une affiche de cinéma, Prince utilise une combinaison saisissante de deux couleurs primaires ponctuées de coups de nuance kaléidoscopique et capture la prise de vue déterminante sous un angle en contre-plongée afin d’amplifier l’effet de la stature grandiloquente de la voiture.

Exemple de l’œuvre thématique de Prince, le tableau poursuit l’exploration soutenue de sa pratique orientée sur la série, les plus célèbres se concentrant sur différents éléments de la même culture fétichisée : voitures, infirmières, cow-boys et blagues stériles.

 

 

2014 Mustang

 

Ayant grandi entre la banlieue du Colorado et la banlieue de Boston, Richard Prince était le fils de deux agents secrets travaillant pour une organisation appelée Bureau des services stratégiques – l’équivalent de la CIA actuelle. Se détournant du contexte politique qui régnait chez lui au tout début de sa vie, Prince s’installe à New York à l’âge de vingt-quatre ans et commence à travailler pour Time-Life Magazines quatre ans plus tard. Là, il travaillait à temps partiel dans la librairie des employés, qu’il fuyait souvent pour créer des œuvres d’art dans un grand local de stockage situé à trois niveaux en sous-sol. Prince a transformé cet espace en un studio personnel ; il a commencé à produire de fausses répliques des publicités qu’il avait vues dans les magazines qui peuplaient le bâtiment – People, Fortune, Sports Illustrated, entre autres.

« En rephotographiant une page de magazine puis en développant le film dans un laboratoire peu coûteux, les photos sont très étranges. Elles semblaient pouvoir être mes photos, mais ce n’était pas le cas » (Richard Prince, cité dans Eva Prinz, « Interview choisie: Richard Prince », Index Magazine, 2005, en ligne).

Née de la même intuition pour créer la copie d’une copie, une sorte de simulacre, « Mustang Painting » est issue de la vision idéalisée du cinéma machiste, temporalisée dans des images fixes ou des affiches de films.

Fasciné par la culture automobile, Prince s’est plongé passionnément dans l’iconographie du film routier, où Dennis Wilson, James Taylor et Barry Newman, par exemple, conduisaient des voitures hyper-masculines avec vaillance et audace, parfois même à travers les flammes. Immortalisées et idéalisées, Prince nota que ces voitures intégraient rapidement la réalité de l’Américain moyen comme un rêve qu’il était possible d’acheter : le trophée qui rapprocherait le consommateur de la star de cinéma.

Citant des milieux de vie qui correspondaient souvent aux caractéristiques stéréotypées du succès de la classe moyenne, Prince se réfère également à ses propres antécédents comme une source d’inspiration imaginaire. « Toutes les maisons étaient exactement les mêmes et tout le monde était si riche, avec de nouvelles voitures, des téléviseurs et des moquettes », a-t-il déclaré (Richard Prince, cité dans Eva Prinz, « Interview choisie : Richard Prince  », Index Magazine, 2005, en ligne). Garées devant des maisons voisines apparemment aussi grandes et belles que celles des plateaux de cinéma, les luxueuses voitures qui parsèment l’environnement privilégié de Prince dans la banlieue de Boston ressemblaient à des miroirs concrets des gens qui l’entouraient mais avec qui il n’interagissait jamais.
2014 : « It’s a free concert »

 

 

 

2017 : « Ripple Paintings »

 

2017 Ripple Paintings 0

 

 

2017-2018 : « Untitled »

 

 

Une conversation avec Richard Prince.

Cette interview est extraite d’une conversation publique avec Richard Prince, enregistrée au Whitney Museum of American Art, le 13 mai 1992.

BW  Je voudrais vous interroger sur le concept de permission. Vous avez souvent dit que vous n’aviez pas besoin de « permission » pour faire des choses que l’on pourrait qualifier d ’« illégales ou d’immorales » en utilisant des images protégées par le droit d’auteur sans crédit. Vous avez également appelé cela « pratiquer sans licence ». Pensez-vous que l’appropriation comporte un risque ?

Richard Prince : Si je me souviens bien, au moment où j’ai commencé à le faire, une des raisons pour lesquelles je pouvais me donner la permission était que personne ne regardait, je n’avais même pas l’idée d’un public, je n’avais aucune idée de montrer le travail, c’était essentiellement pour moi et mes amis. Pratiquer sans licence était un slogan. À l’époque où j’ai commencé à rephotographier des images, le terme « piratage » était utilisé. Dans la pratique de la musique contemporaine, on parle d’échantillonnage. Je pense que l’idée de se donner la permission est importante. Parfois, vous travaillez dans votre studio et vous proposez quelque chose et vous le regardez et vous dites : « Je ne peux pas faire ça. » Mais tout à coup, vous pensez que si vous aviez vu un autre artiste le faire, cela vous aurait fait du bien.

BW : Pensez-vous qu’il y a de la colère dans votre travail ?

RP : Je pense qu’il y a une certaine colère, oui. Certainement dans les blagues.

BW : Vous parlez de l’humour des blagues, mais beaucoup d’entre elles sont incroyablement hostiles.

RP : Oui. Les comiques que j’ai rencontrés ne sont certainement pas les plus heureux du monde. Mais ce n’est pas vraiment de quoi je parle, ce genre d’hostilité, de colère ou de tragédie. Je pense surtout de manière très ennuyeuse. C’est vraiment d’aller au studio tous les jours et de travailler, alors beaucoup de mes préoccupations sont vraiment formelles, simples, ennuyeuses.

BW : Ce que je veux dire, c’est que beaucoup de femmes pensent que votre colère est dirigée contre elles.

RP : Je n’ai aucun problème avec les femmes. J’ai entendu cela et ça me bouleverse, mais en fait je pense que c’est une rumeur. Je connais beaucoup de femmes qui aiment mon travail et le comprennent, je pense que c’est une généralisation. Rien n’est dirigé contre les femmes.

BW : Peut-être que vous pourriez parler de la série qui a énervé beaucoup de femmes : les soi-disant « poussins motardes ».

RP : Le titre de la série « Girlfriends »  est un titre de fiction. Ces filles sont des petites amies, les photos sont prises par leurs petits amis et publiées dans un magazine. Ce n’est pas comme un culte ou quoi que ce soit. Il existe quatre ou cinq de ces publications à très grande échelle et grand public. Peut-être que j’aime les femmes comme ça ? Je sais que dans le monde réel, je reçois beaucoup de lettres à l’encre empoisonnée, de menaces sur mon répondeur, etc. Et j’ai vu les commentaires sur les livres d’or dans les galeries : « Nous vous aimons » ou « Nous vous haïssons ». Je travaille surtout pour moi et pour mes amis

BW : Ce qui est intéressant dans le contexte politique actuel, en particulier dans le débat sur le politiquement correct, c’est votre attitude plutôt surprenante, à savoir que vous ne prenez aucune responsabilité politique pour les types d’images que vous diffusez dans la culture.

RP : L’idée de ne prendre aucune responsabilité est une vision très romantique de l’artiste. Cela vous permet juste une certaine quantité de liberté. Je considère l’artiste comme l’une des rares personnes à pouvoir se permettre certaines choses. Je suppose que je l’associe à un certain type de comportement hors-la-loi. Cela vient de la façon dont j’ai grandi dans les années 50, de mes expériences. Cela semble être quelque chose avec lequel je suis à l’aise. D’autre part, je pense que je suis politiquement correct. Je veux dire, en ce qui concerne les « Girlfriends », je n’ai aucune association avec les images ; ce ne sont pas mes amies. Ce sont des images qui existent déjà, elles ont déjà été publiées, précédemment consommées. Ce qui m’intéresse, c’est le type de surdétermination ou l’effet de l’image. C’est un peu comme une image de télévision ou un film. Quelque chose se passe devant leur photo.

BW : Vous semblez rejeter le modèle socialement construit d’un personnage masculin « acceptable ». Par exemple, dans l’autoportrait androgyne que vous avez fait et dans beaucoup de vos écrits, vous semblez remettre en question toute la notion de ce que signifie être un homme, assumer ce rôle.

RP : Ce que cela signifie être un homme est difficile. Il y a eu des moments où cela a été très inconfortable pour moi. Souvent, ce que je montre dans le travail, ce n’est pas nécessairement moi, ce sont mes observations d’autres types de comportement masculin, et cela me déprime. En tant qu’homme, je me suis éventuellement associé ou inclus dans une sorte de généralisation. Mais surtout, je pense que cela vient simplement de l’observation. Faire ce portrait et me représenter un peu comme un homme, un peu comme une femme était peut-être la chose à faire à cette époque.

BW : Comment ce type de travail est-il lié aux cow-boys, où vous mettez en avant des rôles masculins très stéréotypés ?

RP : Le cow-boy pour moi est surtout une image conceptuelle ; il s’agit beaucoup plus de l’aspect formel et de la présentation. Cela concerne également l’idée de la photographie et la possibilité que la photographie soit morte. Je pensais surtout à la fonction de la photographie, à la façon dont les photographies sont faites.

BW : Alors pourquoi choisir ceux-là ?

RP : Cela est lié à mon travail. J’avais un travail dans un magazine. J’avais l’habitude de déchirer le magazine page par page et de donner l’ensemble de la copie aux éditeurs et je me retrouvais avec toutes les annonces. Il y a eu un moment où j’ai remarqué que les choses avaient changé dans la publicité de Marlboro. Ils se sont débarrassés du célèbre personnage, un certain modèle qui figurait dans toutes les publicités. Ils l’ont sorti et ont commencé à utiliser d’autres figures. C’est là que j’ai commencé…

Site de l’artiste : www.richardprince.com

Sources :

https://www.phillips.com/artist/1254/richard-prince

Patrick Cariou v. Richard Prince, et al – The Appeal Verdict

In The Wake of Richard Prince and Instagram, Revisiting Copyright Law, Appropriation and History

What’s Not the Matter With Richard Prince

 

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