Melanie Bonajo

Melanie Bonajo a été sélectionnée pour représenter son pays, les Pays-Bas, à la Biennale de Venise en 2021 reportée en 2022 en raison de la crise du Covid.

Prenant sa source dans une blessure originelle, l’œuvre de Melanie Bonajo peut être lue dans son entièreté comme un désir de réparation. Eco-féministe numérique, hyper elfe, sorcière ou diable, elle bouscule les divisions traditionnelles entre hommes et femmes, nature et technologie. À travers ses vidéos, performances, photographies et installations, elle étudie des sujets liés à la façon dont les progrès technologiques et les plaisirs basés sur les produits de base augmentent les sentiments d’aliénation, supprimant le sentiment d’appartenance chez un individu. Captivée par les concepts du divin, Bonajo explore le vide spirituel de sa génération, examine la relation changeante des gens avec la nature et essaie de comprendre les questions existentielles en réfléchissant sur notre situation domestique, les idées autour de la classification, les concepts de maison, le genre et les attitudes envers la valeur.

2005 : « Merci de m’avoir blessée. J’avais vraiment besoin de ça »

Alors qu’elle était prise dans les tourments d’une relation amoureuse, Mélanie Bonajo a décidé de se prendre en photo en train de pleurer. Par la suite, à chaque fois qu’elle sentait les larmes lui monter aux yeux, elle attrapait son appareil photo et capturait une image d’elle-même en guise de thérapie. En prenant la rupture – ou plutôt sa rupture – comme sujet, elle touche aux thèmes universaux du deuil et de la souffrance quotidienne.

2007 : Fatal Flower Garden

2008 : I Have A Room With Everything

I Have A Room With Everything est un livre de photographies incroyablement intimes de l’artiste néerlandaise Melanie Bonajo. Prises entre 1998 et 2005, les images de ce volume présentent des photographies anti-journalistiques de style documentaire, certaines réelles et d’autres mises en scène. Les clichés sont à la fois émouvants, fantaisistes, loufoques, sombres, envoûtants, romantiques et révélateurs. Parfois, ils sont douloureusement aliénants, mais délirants magnifiques et fantastiques. Dans I Have A Room With Everything, les traces d’une conscience intense se superposent à la réalité et déclenchent l’imagination de Bonajo, ainsi que celle du spectateur. « La photographie pour moi n’est jamais destinée à prendre le dessus », dit Bonajo, « mais une façon de sculpter la vie mentale. » Pour Bonajo, prendre la photographie est presque comme un rituel, un élan suprême dans lequel il y a une prise de conscience étendue des différentes couches et significations de la réalité. Le livre comprend également une affiche et des interviews divertissantes, menées par Bonajo, avec son père, sa mère, son grand-père et plusieurs de ses amis.

2008 : Modern Life of the Soul

Ce projet combine différents éléments qui documentent l’existence d’une communauté dans une forêt vierge à la frontière orientale de la Pologne. Ce nouveau mouvement tourna le dos à la civilisation moderne. Il s’oppose à la théorie de Darwin. Les membres de la secte croient que les gens dérivent des plantes et sont essayer de renverser l’évolution en vivant comme eux. Ils créent un « nouvel avenir » basé sur le concept de régression.

2009 : Bush Compulsion : A Primitive Breakthrough in the Modern Mind

Les participants entrent dans un état de ‘Buisson-Âme’ en suivant un ensemble de règles strictes. Cette tendance « de la brousse » est déjà inhérente à notre nature, mais via le rituel, il devient beaucoup plus dominant. De cette façon, les participants reprennent conscience de la violence, de l’instinct, des pulsions animales jaillissant du plus profond de l’intérieur. Les actions, tâches et les exercices effectués conduisent finalement à l’identification et à l’habitation à telle enseigne que la frontière entre la réalité et la fiction se vaporise. L’expérience des participants ont la possibilité de se reconnecter au fondement de la nature humaine et sont capable d’intégrer le résultat de cette expérience tout en ayant une plus grande compréhension de l’existence.

2009 : Furniture Bondage

2012 : Herstories of the (Social) Naked Body (2012)

La peur de la femme est une peur des pulsions qu’elles suscitent et des forces qu’elles représentent. Dans l’histoire de l’art (et de la culture), les figures féminines ne sont pas considérées comme des êtres réels avec leurs propres souhaits et problèmes, mais en tant que personnages fantastiques, anges ou sorcières, icônes de beauté et fantasmes sexuels élémentaires avec toute la puissance spirituelle des émotions qu’elles charrient. « Une femme est la partie interne de la vie d’un homme » (Rousseau). Comment cette partie peut-elle assumer son indépendance et commencer à agir toute seule ? Dans ce projet particulier, la figure féminine se libère de sa représentation et revendique une image comme sienne. L’apport externe est important ici seulement dans la mesure où il façonne des institutions qui travaillent à assouvir les fantasmes du groupe dominant. Si les femmes avaient été ce groupe, elles auraient sans doute exprimé leurs propres fantasmes institutionnellement de la même façon. La recherche conclut que les idéaux du langage corporel et les formes corporelles n’ont jamais été aussi différentes entre les sexes qu’elles le sont aujourd’hui. Afin d’ouvrir une discussion au-delà de l’identification de genre et de compléter une approche plus spirituelle vers l’archétype masculin féminin, les personnages essaient de fusionner en une forme hybride représentant à la fois tout et rien.

2012 : Genital Panik — An Event for Equality

La pièce Genital Panik consiste en un appel ouvert à participer à un événement pour l’égalité. Dans cet événement, les participants ont été invités à sacrifier leur sentiment de honte. L’objectif du rassemblement était de repenser notre approche vers l’égalité de manière active. Son intention était d’éliminer les regard passif avec lequel nous abordons l’art, stimulant au contraire un acte participatif nécessitant une entrée physique. Parce que changer la perception n’est pas simplement une question de renverser la vapeur ou de changer la langue. La pièce est une réactivation de Valie Export ‘s Genital Panik (1968). Au lieu du pistolet qu’elle tient, Melanie Benajo a utilisé de la couleur pour peindre les parties génitales. Ce faisant, elle vise à libérer les organes génitaux de leurs relations sociales et sexuelles. La couleur offre une redéfinition ludique de l’innocence et de la liberté de juger. De même, elle a employé l’idée de l’action-pantalon comme une métaphore de la concentration. Où est-ce que notre regard se pose ?

2012 : Manimal

« Quand je me suis réveillé ce matin après avoir regardé Avatar pour la première fois hier, le monde semblait… gris. C’était comme si toute ma vie, tout ce que j’avais fait et pour lequel j’avais travaillé, avait perdu son sens. Cela semble tellement… insignifiant. Je ne vois vraiment aucune raison de continuer… à faire des choses. je vis dans un monde mourant. »

Ce sont les mots d’un cinéphile postés sur un forum. On peut voir le protagoniste de Manimal comme l’un des hommes de ce forum. Aspirant à une connexion plus profonde à la vie, il sort et essaie de communier à égalité avec les autres vivants de la planète. Les êtres humains ont besoin d’une connexion au monde naturel afin de se sentir mentalement sains et entiers. Qu’il s’agisse d’une connexion avec un animal de compagnie, un jardin, un arbre ou un parc à proximité – ce n’est pas la question. Manimal parle de cette envie de reconnexion avec les autres et avec la nature.

2013 : Matrix Botanica

Matrix Botanica aborde la question selon laquelle tous les peuples sont autochtones de quelque part et appartiennent, avec toutes les autres formes de vie, à la Terre. Dans la vidéo, la voix de la Nature se reflète sur nous, les humains. Elle explique comment elle nous voit et les nombreux malentendus qui sont causés par le cadre philosophique occidental – l’absurde construction du positionnement de l’identité humaine en tant que nature « extérieure ». La nature, comme protagoniste, devient un personnage avec une personnalité, celui avec laquelle le spectateur peut s’identifier. Grâce à la musique, l’auditeur peut se nourrir de l’image et identité de la Nature. Le récit de la vidéo est entièrement basé sur une expérience de la médecine psychédélique appelée Ayahuasca. Matrix Botanica refaçonne les rituels contemporains humains/plantes/animaux à l’intérieur d’une société mondiale désacralisée. Essayer de rétablir des liens avec la nature sur la base de sa reconnaissance, non comme une « chose », mais comme créatrice. Prendre soin des choses telles que les arbres, les rivières, les forêts, les herbes et les montagnes en tant qu’amis est un engagement à partir duquel le monde grandira.

2013 : Pee on presidents

Une collection de plus de 500 photographies de filles en train d’uriner, prises entre 1998 et 2013.

2014 : Night Soil — Fake Paradise

Melanie Bonajo : « Ces dernières années, il y a eu une expansion d’une « médecine » appelée Ayahuasca. L’ayahuasca est un breuvage psychédélique composé de diverses infusions de plantes. Son origine provient des anciennes traditions amazoniennes. Ma question est : pourquoi les gens nés dans la culture occidentale ont-ils commencé à réutiliser plantes psychédéliques comme médecine mentale, physique et spirituelle ? Comment cette ancienne tradition s’inscrit-elle dans notre mode de vie contemporain ? Que sont les potentiels et quelles sont les conséquences de sa popularité ? L’influence des « états alternatifs de conscience » sur une société au sein d’un contexte religieux, politique et social m’intéresse. Les hallucinogènes ont gravité autour depuis le début de la culture humaine. Ils ont influencé la manière dont la société est façonnée, comment nous définissons nos relations les uns avec les autres. Ils ont une longue histoire en tant que médecine, stimulant physique et mental guérison. Dans la plupart des sociétés contemporaines, l’utilisation d’hallucinogènes est interdit. L’hypothèse que je voudrais avancer est que l’Ayahuasca peut avoir aujourd’hui pour nous une signification similaire au LSD dans les années soixante. LSD a influencé la montée d’une contre-culture qui a exploré de nouveaux systèmes éthiques, la liberté sexuelle, le féminisme, la libération des homosexuels, le mouvement pour la paix, anarchisme, environnementalisme, différentes manières de nouer des relations, révolutions de l’art et de la musique, modèles économiques alternatifs… Il a stimulé une créativité visuelle non linéaire qui a influencé les développements visionnaires de la technologie et influencé l’éthique communautaire du début de l’industrie de l’informatique individuel, et plus tard le mouvement des logiciels open source. »

2016 : Night soil – Economy of love

Night Soil — Economy of Love dépeint un mouvement de travailleuses du sexe considérant leur travail comme un moyen pour les femmes de se réapproprier le pouvoir dans une zone de plaisir dominée par les hommes ; leur mission est de réorganiser les conventions sexuelles et les idées sur l’intimité même. Elles se réfèrent souvent aux traditions sumériennes de la sacralisation de la prostitution et à leur croyance selon laquelle assouvir la sexualité du corps est une action aussi sainte que de plaire à l’âme. Leur point de vue est que le sexe n’est pas obscène, mais responsabilisation ; pas pornographique, mais également un partage-vivre ; pas condamné, mais apprécié. Dans une utopie libératrice de l’activisme qu’elles cherchent à incarner, les prostituées du temple, qui étaient censées temporairement ressembler à des déesses tout en faisant l’amour, cherchent à élever le client masculin vers un statut divin en tant que bien.

2016 : Night soil – Nocturnal Gardening

Nocturnal Gardening dépeint un groupe de femmes vivant de manière alternative. Les femmes représentent la sensibilité, la connexion et la communication avec les autres communautés : plantes, animaux et éléments. Elles adaptent leur énergie à l’écosystème qui les entoure avec une sensibilité accrue. Elles sont amies de la Terre et avec les membres dépendant de la communauté de la Nature. Elles explorent d’autres manières de vivre ensemble et le font de manière pragmatique et personnelle. Bien qu’elles soient révoltées par la folie contre-productive de la culture du profit, où tout est archivé dans un musée des choses mortes, elles n’essayent pas de détruire la civilisation, mais plutôt d’expérimenter d’autres équilibres. Elles prennent de grands risques dans leur recherche dans ce désert. Elles sont indépendantes mais partagent leurs messages en tant qu’éducatrices et militantes de la plus humble façon.

Interview

Ilyn Wong : La troisième et dernière partie de votre trilogie, ‘Night Soil : Nocturnal Gardening’, traite spécifiquement des formes alternatives d’économie sous les systèmes capitalistes. Les femmes du film ont créé des économies en prenant soin les unes des autres. Pouvez-vous parler du travail et du rapport travail/plaisir, travail/jeu dans ce film ?

Melanie Bonajo : Ce film suit quatre femmes d’horizons différents, qui abordent les droits naturels radicaux d’une manière ouverte, inclusive et sans jugement. L’une des femmes gère un sanctuaire pour les porcs, pour la plupart sauvés des abattoirs. Son objectif principal est de remettre en question nos points de vue sur la consommation d’animaux comme nourriture. Au sanctuaire, humains et cochons participent à des massages de cochons et à des groupes de câlins. Elle veut mettre en lumière l’oppression que nous, humains, exerçons sur les autres espèces, mais elle communique ces préoccupations par le jeu et le plaisir, et nous demande de repenser nos modèles éthiques. Son objectif principal est que les gens étendent l’empathie que nous ressentons pour les humains aux animaux que nous mangerions autrement.

Une autre femme du film dirige une ferme dans le nord de l’État de New York pour la plupart des agriculteurs afro-américains. Il y a un traumatisme lié à l’utilisation des terres tout au long de l’histoire des États-Unis, elle invite donc les personnes de couleur à traverser ce traumatisme avec leur corps. A travers ce travail, elle aborde l’histoire de l’esclavage, mais aussi l’histoire des communautés urbaines qui ont encore très peu accès à une alimentation saine et à la nature. Ces systèmes oppressifs rendent très difficile le fait de prendre soin les uns des autres et de trouver du plaisir dans la nourriture. Dans sa ferme, les gens peuvent surmonter ce traumatisme historique tout en cultivant leur propre nourriture et en créant une communauté de partage. Elle a également mis en place des programmes pour les jeunes confrontés à l’incarcération. Au lieu d’aller en prison, ils travaillent la terre. Beaucoup de sentiments surgissent lorsque vous êtes entourés de plantes et d’animaux et dans une communauté qui vous aime, vous soutient et vous donne de l’espace.

IW : Votre travail explore non seulement la relation entre l’humain et la nature, mais dépeint souvent des humains jouant des rôles borderline-humains ou non humains. Il y a aussi un caractère sacré que vous accordez aux plantes. Quel est pour vous le pouvoir du non-humain ?

MB : L’hybride est un espace dans lequel beaucoup de croyances et de présomptions que nous tenons pour acquises peuvent être négociées et remises en question. Nous comptons souvent trop sur notre vision rationnelle ou mécanique du monde, supprimant ainsi des aspects de notre nature humaine qui seraient autrement plus sensibles et ouverts. Penser à l’hybride crée également des espaces pour de nouvelles connexions et possibilités.

En ce moment, je travaille sur un projet sur les elfes et les enfants, qui traite également d’un hybride entre l’humain et la nature. Ces idées sont liées à la suppression de l’enfant mystique, qui est libre de jugements objectifs de la réalité, mais vit au contraire dans un monde empathique et subjectif dans lequel les lignes ne sont pas aussi strictement tracées. Je m’intéresse à ces hybrides parce que trop souvent nous enlevons l’autonomie de l’enfant, un peu comme ce que les cultures occidentales font aux points de vue tribaux ou aux personnes ne vivant pas selon les normes sociétales dominantes – cela peut inclure les femmes ou les personnes qui privilégient leurs sens, corps, spiritualités et émotions. Nous avons tendance à appliquer tout ce jugement sur les enfants à travers des formes rigides de scolarisation : nous leur dictons ce qui est bien et mal. Cela s’appelle l’adultisme. Je suis intéressé à canaliser notre propre enfant mystique intérieur – des êtres à travers lesquels nous pouvons utiliser une lentille empathique pour nous connecter à tout ce qui est vivant autour de nous, au lieu de vivre dans un univers froid où les choses sont utilisables ou non, capitalisables ou non.

IW : Vous traitez de graves problèmes qui affligent le monde dans lequel nous vivons, mais les voix qui en parlent sont souvent désinvoltes ou presque ludiques. Comment positionnez-vous ces contradictions apparentes ? Quelle est la place de l’humour dans votre travail ?

MB : Pour moi, il y a souvent plusieurs côtés opposés à la vérité. Toutes ces idées qui sont considérées comme la vérité ne sont en fait que des perspectives différentes. C’est peut-être comme une fête à la maison dans votre tête : il peut y avoir des contradictions, des fantasmes, de la colère, des conflits, de l’amour et de l’empathie. L’humour est un moyen pour nous de traiter des problèmes douloureux dans les ténèbres de la nature humaine. L’humour et le jeu sont des outils pour critiquer l’absurdité du système que nous avons créé. C’est un moyen de ne pas se prendre trop au sérieux mais d’être toujours conscient des décisions que nous prenons dans ce jeu auquel nous jouons tous les jours. Comme dans notre sujet précédent sur les animaux et leur consommation, la plupart des gens aiment vraiment les animaux, mais la plupart des gens participent également à une forme d’oppression des animaux. Au lieu de culpabiliser les gens, je réponds à ces préoccupations par l’humour. Je préfère m’engager avec les autres par l’amitié.

IW : Lorsque j’ai vu votre travail au Foam Museum d’Amsterdam l’année dernière, les spectateurs ont été invités à s’asseoir par terre dans une petite tente de fortune. Cela m’a rappelé les forts que les enfants construisent et dans lesquels ils jouent. Comment voudriez-vous que ces « environnements immersifs » soient vécus ?

MB : Les décors sont souvent un prolongement du film ou de la performance. J’aimerais que les gens se rencontrent dans des espaces plus intimes, où les règles sont un peu différentes. Vous êtes assis dans une position différente de celle d’une chaise normale. Tout est doux et les lumières changent. Vous pouvez sentir le coude ou le genou de quelqu’un ou un morceau de ses cheveux, mais c’est très bien parce que vous êtes à l’aise. C’est une façon de sortir du cube blanc, qui est un espace mental, historique et prédéfini pour faire l’expérience de l’art. Je voulais être très sensuelle et nourrissante pour les yeux, les oreilles et les corps.

Article by Ilyn Wong in Berlin // Tuesday, Oct. 03, 2017

Présentation de Night soil – Nocturnal Gardening par Leila Couradin

Projeté sur un écran libre accompagné de quelques plantes d’intérieur, au cœur de cet espace d’art contemporain partiellement peint d’un vert forêt, Night Soil – Nocturnal Gardening est inclus dans un dispositif immersif singulier, permettant d’élargir le cadre de l’image. Ce film s’apparente à un documentaire au sein duquel le visiteur est invité à découvrir successivement les portraits de quatre femmes, entrecoupés par un plan de lune, métaphore iconographique d’une fertilité cyclique de la terre comme des corps. Chacune d’entre elles est filmée alternativement réalisant une multitude de gestes quotidiens puis s’immobilisant pour un temps dans l’environnement où elle déploie son activité, souvent en pleine nature.

Chaque femme accompagne son propre portrait d’un discours « off », révélant la volonté de l’artiste de leur donner directement la parole – parole d’ordinaire jugée ou condamnée – produisant un effet de proximité immédiate avec le spectateur : une véritable rencontre. La sincère bienveillance avec laquelle ces femmes sont filmées laisse supposer, outre la nécessité de leur donner une visibilité, les liens privilégiés qui ont été tissés entre l’artiste et les protagonistes sans toutefois exclure la figure du visiteur de ce troublant face à face.

Toutes cultivent un rapport d’humilité profond envers la nature. Que l’initiative que chacune présente soit individuelle ou collective, il s’agit toujours de vivre des ressources de la terre avec gratitude, dans un rapport de réciprocité et d’échange des énergies, avec une conscience laïque aiguë – rejetant systématiquement la notion de dogme – d’appartenir à un jardin d’Eden d’où hommes et femmes auraient été chassés. Le cinquième personnage de ce film semble donc être la nature elle-même, omniprésente, filmée avec une attention et une douceur particulières. Mélanie Bonajo révèle avec aisance la beauté majestueuse d’un massif montagneux, d’un cours d’eau, d’une branche d’arbre, d’un animal au repos, ou d’un ciel nuageux. Transparaît dans ces images le rapport prédominant de l’artiste à la photographie, que l’on perçoit aussi nettement dans les portraits immobiles et autres plans fixes. Ces choix cinématographiques invitent le spectateur, dans un état proche de la contemplation, à entrer véritablement dans l’image, par-delà la frontière de l’écran.

De nombreuses problématiques sociétales intersectionnelles sont ici abordées avec justesse en filigrane : les rapports post-coloniaux de domination entre les peuples, l’histoire complexe de la notion de « territoire », le développement fulgurant du modèle consumériste global impliquant un désastre écologique mondial ainsi qu’une multitude d’inégalités sociales.

« A sick society can’t resist ».

Chaque femme évoque ici son propre rapport à nos sociétés contemporaines consistant à sortir des « patterns » occidentaux pour chercher à instaurer, à partir d’un positionnement individuel, un modèle autre, collectif. Il s’agit alors d’inventer (ou de ré-inventer) de nouvelles manières d’être au monde, et de s’y inclure : « we are not superior to the world, we are relatives to the world ». Musicienne militant pour les droits fonciers autochtones, chasseuse-cueilleuse, agricultrice sensibilisant au bien-être animal ou maraîchère œuvrant pour la démocratisation de l’accès aux produits de la terre, elles ont en commun un engagement absolu dans la mise en pratique et dans la transmission de leurs idéaux.

À travers ces initiatives tendues vers une forme de réconciliation, de reconnexion et de réunification entre l’humain et la nature, Mélanie Bonajo présente en négatif le cadre normatif de nos sociétés et insiste sur la possibilité d’évoluer en dehors de ce cadre. On se tromperait si l’on y voyait une volonté de faire prédominer un mode de vie plutôt qu’un autre, qui aurait pour effet de culpabiliser le spectateur : l’humilité est au cœur de cette démarche artistique plus proche de la proposition que de l’injonction. « I hope that through my approach, people, instead of feeling guilty, will find themselves a little bit more in love with themselves and the world » (« J’espère qu’à travers ma démarche, les gens, au lieu de se sentir coupables, se retrouveront un peu plus amoureux d’eux-mêmes et du monde »).

2017 : Progress vs Sunsets

2016 : Progress vs Regress

Les gens parlent beaucoup des personnes âgées mais ils leur demandent rarement ce qu’ils pensent. Parfois sérieuse, le plus souvent avec un humour léger, Melanie Bonajo interroge un groupe de centenaires sur leur vie, les nouvelles inventions, les selfies et la technologie.

2017 : Last Child in the Woods

2018 : Gender neutral toilet

2019 : Cruising

Cruising est une référence aux zones périphériques, aux parcs et aux arbres et aux forêts et aux plantes – ils peuvent avoir une charge très sexuelle. Cet espace est beaucoup utilisé par un genre spécifique parmi nous : masculin, mais pas du tout par un autre : féminin. C’est parce qu’il est souvent difficile pour les femmes d’explorer la sexualité d’une manière qui vous fait vous sentir en sécurité, à la fois dans votre corps et avec les autres. La série parle d’avoir la liberté de se connecter d’une manière sexuelle, sensuelle et charmante – câline et douce pour la peau. Et que cet endroit ne soit pas entaché de honte, de culpabilité et de pénitence. Mais par « croisière », je fais également référence à une croisière vers le nouvel avenir, où nous prendrons différents endroits, à la fois éthiquement et physiquement. Au lieu de voir la terre comme une mère, il vaut mieux voir la terre comme une amante. Pas quelqu’un qui donne sans cesse, mais quelqu’un avec qui nous avons un lien responsable, en qui nous donnons autant que nous recevons, en qui vous voulez prendre soin de l’autre – une relation d’égalité.

2019 : Brief Encounters

Pour Brief Encounters, Melanie Bonajo a créé une nouvelle performance, A Body Called…, dans laquelle le parc Oude Warande est à la fois sujet et objet. Avec quelle conscience nous regardent le chêne, le hêtre, la mousse, le rhododendron à moitié mort et l’herbe sur laquelle nous marchons ? S’il y avait un tribunal du parc Oude Warande, quel genre de lois s’appliquerait-il ? Comment pouvons-nous donner forme au cri intérieur humain de sens sans nuire aux autres formes de vie ? Dans sa performance, Melanie Bonajo a ensorcelé une infime partie du monde. Après cet acte rituel, nous – observateurs – sommes rentrés chez nous en sachant que le monde était très différent. Plus égal, plus coloré, plus aimant et avec plus de possibilités.

2020 : Boundary Boss

Boundary Boss est une chanson avec un clip vidéo de Melanie Bonajo & Friends avec un décor et des costumes de Splitter Splatter. Le projet aborde l’appropriation de vos limites personnelles, afin que vous connaissiez votre propre comportement préféré et celui des autres. Ceci est essentiel pour le développement d’un sens sain et solide de soi et de l’estime de soi.

De plus, nous en avons désespérément besoin, car nous traversons une crise des frontières. D’innombrables exemples montrent des modèles de comportement inacceptable envers d’autres peuples, espèces et genres, qui, à la fin de la dernière décennie, ont par exemple abouti au mouvement #MeToo. Une culture toxique avec des rôles de genre forcés nous empêche d’explorer qui nous sommes en tant qu’individus. De plus, les gens sont impatients avec eux-mêmes et se rabattent sur des raccourcis vers le bonheur. Ceci est alimenté par nos mondes numérisés dans lesquels nous avons perdu le contact avec les processus de la nature. Le travail sur consentement est sexy.

Nous sommes en 2020 et Boundary Boss a fini d’être une victime. Un Boundary Boss revendique la propriété de son corps, de ses normes et valeurs, de ses limites. Boundary Boss montre qu’en fait, nous avons quelque chose à dire sur qui et avec quoi nous nous engageons dans la vie, et sur ce que nous allons « bloquer » à la place. Notre corps et nos sentiments sont des formes d’intelligence qui peuvent nous guider dans cette exploration. Boundary Boss est l’histoire personnelle de Mel et pourtant elle est bien plus grande qu’elle seule. Boundary Boss est un projet communautaire qui a vu le jour avec l’esprit d’un groupe. Le corps de Mel et celui de ses Amis (son équipe) servent à la fois de sujet et d’objet dans le processus : ils sont à la fois chercheur et recherché. Grâce au pouvoir des affirmations positives comme « Je suis un patron de frontière » et au monde fantastique et coloré du clip, Boundary Boss montre de manière convaincante à quel point les humains sont autonomes et à quel point nous sommes proches d’un nouvel avenir. Boundary Boss dégage que travailler sur vos limites est accessible, sexy et éminemment non capitaliste.

2020 : TouchMETell

TouchMETell est une installation vidéo sur le toucher.

Les câlins sont agréables, du moins si vous voulez être câlinés. Saviez-vous que les enfants qui s’embrassent ne se frappent pas ou ne s’intimident pas autant ? Les enfants apprennent à se faire confiance. Ils découvrent la différence entre donner et recevoir. Où sont tes limites ? Où sont les miennes ? Et comment en parler à quelqu’un d’autre, comment définir mes limites ?

La vidéo montre un groupe d’enfants parlant du toucher. Et vous pouvez voir ces enfants et leur monde dans le laboratoire : vous pouvez toucher, être étreint et être tenu. TouchMETell est une façon amusante de dire que les câlins sont bons, et dit que c’est une bonne chose de faire confiance à son corps et de le célébrer.

2021-2022 :

En raison des conséquences du Covid-19, la biennale des arts visuels 2021 a été reportée à 2022.

L’artiste sélectionnée pour représenter les Pays-Bas à la Biennale de Venise en 2021 est Melanie Bonajo. Un large jury international a sélectionné Bonajo parmi une longue liste d’artistes et de commissaires. Les personnes sélectionnées ont été invitées à soumettre un plan d’ensemble. Un mois plus tard, ces plans ont été présentés au jury, qui a décidé à l’unanimité que Melanie Bonajo représenterait les Pays-Bas. Bonajo travaillera avec une équipe de conservateurs composée de Maaike Gouwenberg, Geir Haraldseth et Soraya Pol. Le travail de Bonajo sera présenté à la Chiesetta della Misericordia dans le quartier de Cannaregio à Venise. 

Pour faire son choix, le jury a pris en considération non seulement la qualité de l’œuvre, mais aussi l’impact qu’elle aura sur la scène internationale qu’est la Biennale de Venise. Le jury est convaincu que Bonajo créera une présentation qui impressionnera et inspirera à la fois.

Pour la 59 e Biennale de Venise, Bonajo produira un nouveau film, qui sera présenté avec une publication dans un cadre vaste et varié. Citant le plan du projet : « À Venise, Bonajo prend en charge le corps [humain] et le sort des griffes du capitalisme. Mel* vous absorbe dans The New Intimacy Movement. (*Mel est le pronom que Melanie Bonajo utilise généralement, évitant expressément toute identité de genre spécifiquement masculine ou féminine). Elle vous met au défi de reconnaître et d’explorer le corps à nouveau, comme moyen de connexion, d’intimité, de toucher et de sécurité. Vous êtes emporté dans des aventures qui stimulent tous les sens : sentir est une forme d’intelligence, penser par le toucher.’

Présentation de Melanie Bonajo par Mirjam Westen, critique d’art

https://www.les-plats-pays.com/article/en-qu%C3%AAte-de-changement-et-de-sens

Vidéos :

2012 :

2013 :

2018 : « The death of Melanie Bonajo »

Une réflexion sur “Melanie Bonajo

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